한국국제교류재단

La integración de las tecnologías digitales en las artes visuales se remonta a la década de 1990, cuando el Macintosh de Apple revolucionó la informática de escritorio. Las décadas siguientes vivieron la llegada de la impresión 3D y de la tecnología de control numérico por computadora (CNC), que automatiza el control de las máquinas mediante programas de software. Y desde 2020, la comercialización de imágenes de inteligencia artificial marca el comienzo de una nueva era en las artes visuales.

Las nuevas tecnologías han digitalizado el mundo físico, alejándolo del ámbito material. Tan drástico cambio podría llevar a pensar que las artes plásticas, inmersas en las cualidades materiales de los objetos, no van en sincronía con los tiempos. Sin embargo, quienes trabajan con formas de arte clásico buscan constantemente nuevos enfoques, reinterpretando e incorporando activamente la tecnología en sus obras.

Al disponer de los datos para reducir el trabajo manual y agilizar el proceso artístico, no debería sorprender que cada vez más artistas usen tecnologías digitales. De hecho, muchos de los nacidos en los ’80 y los ’90 han comenzado a probar los límites de la tecnología digital en sus obras, dando lugar a todo tipo de innovadoras creaciones artísticas.

La tecnología desdibuja los límites entre las distintas formas de arte. A simple vista, podría parecer que la tecnología amenaza la existencia de las formas de arte tradicionales, pero en verdad refuerza su razón de ser, invitando a reflexionar sobre qué es el arte. Ahora las pinturas pueden convertirse en esculturas, las esculturas en datos y las artesanías en pinturas.

Cada vez más, las formas de arte tradicional se alejan de las convenciones artísticas que giran en torno a técnicas y materiales. La brecha entre lo digital y lo analógico, o entre lo virtual y lo físico, es cada vez menor.

El software se encuentra con el arte

El artista Kim Han-saem, que durante la universidad se especializó en pintura, confesó en una entrevista que no está acostumbrado a trabajar con óleo sobre lienzo. Al haber crecido ya en un entorno digital, se sentía más cómodo creando pinturas por computadora, y tras concluir sus estudios académicos se centró en usar las técnicas con las que se sentía más cómodo.

El proceso artístico de Kim implica crear dibujos digitales similares a los gráficos de los juegos de rol (RPG) de 16 bits. Primero usa un software para dibujar la imagen en la computadora, que imprime en una hoja de papel, llevando su creación digital al mundo analógico. Después fusiona esa imagen con material físico, como piedras, cristales o láminas de fibra de densidad media (MDF). Luego elabora un marco a mano, añadiendo una capa de profundidad a la narrativa de la obra. El enfoque de Kim introduce una dimensión táctil en su trabajo, creando una singularidad que podría definirse como “datos táctiles”.

Licenciado en diseño industrial, Jackson Hong traspasa los límites entre arte y diseño. Su trabajo explora la maleabilidad de los objetos y sus distintas interpretaciones, así como la relación entre objetos y personas. También explora la representación visual del proceso de fabricación de objetos mediante el uso de datos.

Al igual que un diseñador industrial que crea un producto, comienza recopilando los datos necesarios para concretar una idea y posteriormente procesa esos datos, tarea que requiere un alto nivel de habilidad y experiencia. Por ejemplo, Hong usa máquinas CNC para cortar láminas de metal a medida, en base a los datos que introduce en el programa de software de una máquina, y después dobla y suelda a mano esas láminas hasta lograr la forma deseada.

Los datos de las obras de Hong son como una precisa herramienta, pero también reflejan la intención del artista de librarse de los límites y usos convencionales. Por ejemplo, incluyó deliberadamente errores digitales en los planos arquitectónicos de su serie Cross Hatching, para desafiar la estandarización y las expectativas de perfección y generar diversas interpretaciones. Pero más allá de su propósito, los dibujos de Hong son como “rayos X de su imaginación”.

Impresión 3D

Kim Ji-min se especializó en escultura y durante mucho tiempo dependió de una técnica de costura que requiere mucha mano de obra para coser etiquetas de marcas y producir obras de arte. Pero durante un proyecto que analiza los factores psicológicos tras el consumismo, abandonó ese método. Dicho proyecto, llamado “MANJOY”, muestra una eficaz aplicación de la impresión 3D. Mediante tecnología digital, Kim reprodujo ágilmente iconos idénticos y pudo transmitir su mensaje sobre el consumismo en clave humorística.

Las limitaciones de la impresión 3D han impedido a Kim adoptar del todo esa técnica, y por eso sigue usando métodos tradicionales en su trabajo. Por ejemplo, para producir su obra en serie Skull utilizó técnicas tradicionales que posteriormente convirtió en datos digitales con un escáner 3D, creando una obra impresa en 3D titulada Coloring N. 108. Gracias a la versátil naturaleza de los datos digitales, que permiten adaptarla fácilmente a distintas escalas, y más tarde Kim pudo usar esos datos en obras de gran formato como Inside Out.

En tanto Serin Oh, que estudió pintura, orfebrería y joyería tradicional del este de Asia, combina varios elementos y técnicas en sus obras para crear efectos visuales surrealistas. Su exposición individual Forest Temperature Bunker de 2022, en la galería FOUNDRY SEOUL en Hannam-dong, presentó obras de arte que mezclaban a la perfección cerámica e impresiones 3D, como metáfora de las contradicciones humanas frente a las cuestiones ambientales, tema estrechamente vinculado al de su exposición anterior, Imitación y engaño (Mobanggwa sogimsu).

De lejos no es fácil apreciar qué partes del trabajo de Oh son de cerámica y cuáles están impresas en 3D. La artista se basa en datos de modelado 3D de código abierto disponibles en Internet. Mediante software 3D combina y modifica datos que luego imprime con una impresora de modelado por deposición fundida (FDM). Ese dispositivo derrite una materia prima por encima de su punto de fusión y la apila en capas uniformes creando formas diversas. La obra de arte resultante posee un toque surrealista que proviene de imprimir distintos elementos con distinta resolución en condiciones uniformes.

 

Tejiendo píxeles

Cha Seung-ean se especializa en reinterpretar técnicas de tejido tradicionales en un contexto contemporáneo. Desde su experiencia artística con fibras y pintura, dice usar el tejido para recrear pinturas abstractas del siglo XX de particular interés para ella.

Su obra más famosa, Sudden Rules-Bay-2, fusiona las pinturas The Bay, de la artista expresionista abstracta estadounidense Helen Frankenthaler, y Subitement la Loi (A Sudden Law), de la artista coreana Rhee Seund Ja. El proceso implicó digitalizar la pintura de Rhee en la computadora y convertirla en datos, según su configuración de píxeles. Después, los datos sirvieron para tejer una lámina de tela con un telar de jacquard, sobre el que Cha aplicó hábilmente la técnica de pintura con tinte en remojo de Frankenthaler. Mediante este experimento, la artista buscaba combinar tejido y teñido para simbolizar la coexistencia de orden y azar en un mismo lienzo.

Otro tema esencial de la obra de Cha es la interacción entre lenguaje y tejido. Por ejemplo, utiliza un conversor para codificar frases como “Antes de tu nacimiento” o “Tu amor es mejor que la vida”, que luego reconfigura para tejer borradores de diseño que incorpora a sus obras. Cha experimenta con el objetivo de difuminar las líneas entre arte y lenguaje.

A medida que la tecnología evolucione, los artistas coreanos hallarán nuevas formas de combinar las artes tradicionales con los últimos avances para crear algo nuevo e inesperado.